René MAGRITTE

Surréalisme

"Les titres des tableaux ne sont pas des explications et les tableaux ne sont pas des illustrations des titres. Tout dans mes œuvres est issu du sentiment de certitude que nous appartenons, en fait, à un univers énigmatique.".

Artiste belge, René Magritte est un des principaux peintres surréalistes. Son œuvre où la relation entre ce qui est représenté, les mots, les idées, la relation entre réel et imaginaire est mis en question non sans humour, a largement contribué au succès de ce courant de peinture auprès du public. Son célèbre tableau "la trahison des images" (ceci n'est pas une pipe) est exemplaire de la réflexion sur les images qu'il propose au public et une introduction à la pensée surréaliste.

les débuts

Fils d’un tailleur et d’une modiste, René Magritte fréquente à l’âge de 12 ans un cours de dessin. Grand lecteur de bandes dessinées, amateur de cinéma et de photographie, le jeune garçon est incontestablement un amoureux des images.

Orphelin de mère (elle se suicide alors qu’il n’a que 14 ans), Magritte réalise ses premières toiles pendant la Grande Guerre. La région belge de Charleroi, où il habite, est occupée par l’armée allemande. Il s’installe dès lors à Bruxelles et entre à l’Académie royale des Beaux-arts. Peignant dans une veine impressionniste, il reçoit des cours dispensés par les artistes attachés à l’Art nouveau.

Magritte vit de rentes paternelles, mais aussi de ses travaux en tant que décorateur et affichiste. Déjà, l’artiste montre un tempérament farceur, volontiers moqueur et proche des idées anarchistes, dans la veine du mouvement Dada. Inspiré par les avant-gardes, en particulier le cubisme et le futurisme, il peint des compositions abstraites.

inversions des genres, des matières...

Le dadaïsme, et la peinture métaphysique de Giorgio de Chirico, produisent sur Magritte un bouleversement. Travaillant pour la publicité, il se lie parallèlement avec Francis Picabia, directeur de la revue 391. En 1926, Magritte débute son parcours dans l’orbite du surréalisme, rencontre André Breton, Paul Éluard, Max Ernst et Salvador Dalí. Les rapports avec Breton sont houleux, bien que l’artiste illustre un de ses ouvrages dans les années 1930 avec son dessin Le Viol (1934).

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L’artiste belge joue sur les mots comme sur les images, interrogeant notre compréhension de la réalité et de ses représentations. L’une de ses œuvres les plus célèbres, La Trahison des images (1929), représente une pipe associée à l’injonction contradictoire « Ceci n’est pas une pipe ». Ce que nous désignons comme réel, est-ce bien ce que nous percevons ?

Magritte, à la différence de Dalí, n’a jamais été un amateur des théories psychanalytiques et s’intéresse davantage aux symboles, mythes et croyances, qu’il décortique ou parodie avec humour. Son style est volontairement neutre et d’une grande précision, un héritage peut-être de son travail dans le monde publicitaire.

- Pomme, chapeau melon, oiseau

Magritte met en évidence notre difficulté à faire coïncider la réalité du monde avec nos images mentales. Il a développé un véritable alphabet pictural en usant de motifs récurrents : la pomme, l’oiseau, l’homme au chapeau melon, les corps morcelés… Ses images sont souvent cachées derrière ou dans d’autres images, alliant deux niveaux de lecture possibles, le visible et l'invisible.

Ses peintures jouent fréquemment sur le décalage entre un objet et sa représentation.

- les mots et les images

Dans les années 1940, Magritte renoue avec la technique impressionniste et n’hésite pas à verser dans un certain kitsch : c’est « la période vache ». Peintre très apprécié, bien que déroutant, il expose à travers le monde et bénéficie d’une rétrospective au MoMA de New York en 1965. Deux ans plus tard, malade d’un cancer, il s’éteint en Belgique. Un musée dédié à son œuvre est ouvert à Bruxelles en 2009, la plupart des œuvres exposées appartenant aux musées royaux des Beaux-Arts de Belgique. Sa maison bruxelloise se visite également.

eflet l'un de l'autre.

-peinture ou réel ?

La construction en opposition est ici nette: d'un coté le plongeoir marque la perspective (notons la petite chaise dans son axe ) et s'oppose à l"arrière plan de la villa contruit en horizontale et verticales.
Ici subsiste la gerbe d'eau, element informel s'opposant aux plans nets qui indique comme la disparition du personnage dans le sens vertical de la profondeur de l'eau donnant cette sensation de vide, d'un tableau sans présence, où ne subsiste qu'une trace, la gerbe , comme le signe d'un personnage tombé dans l"espace creux, profond du plan bleu qui "manque"de consistance (seule partie sans ombre,et sans remous de surface!) pour lier le chemin entre cet axe plongeoir chaise;

inversions des genres, des matières...

Délaissant les influences de Francis Bacon et du Pop Art de ses débuts, il optera ensuite pour une figuration d'une parfaite maitrise technique à la peinture acrylique ( la mode est alors à l'hyperréalisme) où il représente la société américaine, bourgeoise et huppée de la Californie où il vient s'installer, dans des poses qui semblent figées - ( David Hockney utilisera toujours la photographie en parallèle de son travail ) faisant aussi des portraits de ses proches.

La série des Swimming Pools, illustration de l’univers artificiel californien, représente une évolution dans son œuvre et fait sa notoriété ( "A Bigger Splash" en 1967) : entre Pop Art et hyperréalisme, il figure un monde plat, figé, dans lequel la sensation de confort provoque paradoxalement un sentiment d’angoisse.